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La rétrospective ou l’artiste “tout entier”: émergence d’une pratique d’exposition en France (1855-1885)
La rétrospective monographique constitue à notre époque un genre de manifestation régulièrement proposé par les institutions culturelles, dont la vie est rythmée par une succession d’expositions temporaires. Réunir l’oeuvre d’un artiste, vivant ou décédé, est devenu une pratique courante, avec laquelle le public est depuis longtemps familiarisé. Mais dans la France du milieu du XIXe siècle, son apparition avait de quoi surprendre : les expositions étaient peu nombreuses et réservées essentiellement aux artistes vivants, dont la production ne pouvait être contemplée que de manière partielle lors du Salon officiel. Deux ans après les rétrospectives remarquées de plusieurs artistes dans l’Exposition universelle de 1855, l’exposition de l’oeuvre de Paul Delaroche, ouverte quelques mois après sa disparition, connut de ce fait un grand retentissement. Son immense succès encouragea la pérennisation de cette nouvelle forme d’hommage posthume, qui reprenait un modèle anglo-saxon. Cette thèse propose une analyse de l’émergence de la rétrospective sur une période de trente années (1855-1885), période qui vit la pratique instituée, exploitée, appropriée et instrumentalisée, mais aussi transformée et diversifiée. Elle concerne pour une large part des expositions d’artistes disparus et, dans une moindre mesure, les rétrospectives d’artistes vivants, plus rares. Construit en deux axes, notre propos a pour objectif d’interroger, d’une part, les conditions d’apparition de la rétrospective (modèles, acteurs, enjeux), et, d’autre part, ses modalités de réalisation et son impact sur l’appréhension de l’oeuvre de l’artiste, mesurable à l’aune de sa réception critique. Héritière des changements ayant affecté le statut de l’artiste et la littérature à son propos, cette pratique d’exposition naissante est symptomatique des bouleversements, notamment structurels, qui touchèrent le monde de l’art sous le Second Empire et au début de la Troisième République ; son étude participe à leur compréhension.
David, la politique et la Révolution
Les recherches menées par Antoine Schnapper sur David et la politique ont marqué les études historiques comme l'histoire de l'art de la fin du XXe siècle. Le moment était venu de les revisiter. Au cœur de ces travaux, les contributions au catalogue de l'exposition «David» de 1989 et trois études brèves, mais percutantes, qui balisent les segments capitaux de la vie de l'artiste : l'Ancien Régime, la Révolution, l'Empire. Les analyses d'Antoine Schnapper encadrent et illustrent un moment essentiel de l'histoire de l'art. Au tournant des années 1980, l'analyse formaliste qui dominait les études sur l'art «néoclassique» cède le pas devant un regain d'intérêt pour le contexte historico-politique, et pour la traduction visuelle d'un message politique. David était le personnage idéal à étudier selon cette nouvelle perspective : grand peintre, chef d'école, c'est un des fondateurs de la modernité, qui pense la peinture comme un outil politique au service du peuple. À ses yeux, l'artiste doit mettre en forme l'imaginaire collectif avec les moyens qui lui sont propres. Dès l'époque des Lumières, il s'emploie à la représentation d'idéaux majeurs, qu'il n'aura de cesse, après la Révolution, de mettre en œuvre, non seulement par son art, mais par son engagement politique.
Mécènes, les bâtisseurs du patrimoine
Les liens inextricables qui relient la culture au pouvoir et à l'argent sont attestés de l'Antiquité à nos jours par de nombreux témoignages. Par les exemples de mécénat qu'il illustre, cet ouvrage met en lumière l'implication culturelle de nombreuses personnalités, en Suisse ou en Provence. Acteurs économiques et politiques influents, ils ont consacré une part non négligeable de leur fortune à la conservation et à la valorisation du patrimoine archéologique et ont associé leur nom à la mémoire collective, ultime conquête de l'Homme au-delà de l'ascension sociale et des privilèges matériels.
Une economie du style : Léopold Robert et ses commanditaires
Presentation de la collection d'oeuvres de Leopold Robert au Musee d'art et d'histoire de Geneve. L'auteur evoque la pratique de production en masse du peintre et ses commanditaires
"Sculptor Ludens", l'estampe comme médium pictural : production, enjeux et réception des eaux-fortes de Giovanni Benedetto Castiglione, (1609-1664)
Giovanni Benedetto Castiglione est un artiste aux multiples facettes. Peintre-graveur curieux de la production de ses prédécesseurs et contemporains, son corpus d’oeuvres présente une vision personnelle des enjeux artistiques de son temps, notamment celui des limites techniques de l’eau-forte. Son talent, sa faculté de synthèse et son sens du commerce lui forgent une réputation positive de son vivant ainsi qu’aux XVIIIe et XIXe siècles. La présente thèse de doctorat est une étude, divisée en deux parties, de la perception de l’eau-forte des points de vue de l’artiste et du connaisseur. Dans un premier temps, le processus de création fait l’objet d’un examen minutieux. Dans un deuxième temps, sa fortune critique et sa place dans l’histoire de l’art, de sa mort jusqu’au milieu du XIXe siècle, sont analysées de manière systématique. L’intention est de croiser les regards entre deux perspectives, celles de l’artiste et du connaisseur correspondant à deux approches complémentaires de l’étude du corpus des estampes de Castiglione, afin d’enrichir les connaissances sur la production graphique du maître et de mettre en lumières certaines pratiques liées à l’étude de l’estampe. Aux XVIe et XVIIe siècles, les peintres-graveurs entreprennent diverses recherches pour obtenir un effet de teinte complétant le travail à la ligne de l’eau-forte. Comme ses collègues, Giovanni Benedetto Castiglione transgresse les règles et les normes conventionnelles pour se lancer dans des recherches inédites. Ses résultats ne sont pas forcément des réussites techniques et présentent souvent de nombreux défauts ou accidents. Ils deviennent néanmoins son langage stylistique propre. L’objectif de la première partie est de fournir une étude comparée du processus de création de ses oeuvres sur papier, qui mène à une discussion sur l’achat et la diffusion de ses matrices. La seconde partie de ce travail examine la réception de Giovanni Benedetto Castiglione et de ses estampes à travers diverses sources, à savoir les manuels, les collections et les catalogues. Partant du milieu du XVIIe siècle jusqu’au milieu du XIXe siècle, l’analyse retrace la fortune critique de Castiglione ainsi que les goûts et les pratiques des connaisseurs durant deux siècles. La réception de l’artiste auprès du public varie au cours du temps. Ses estampes bénéficient d’une nouvelle compréhension suivant les périodes analysées au gré des tendances et des pratiques culturelles. Par ailleurs, les résultats obtenus dans cette seconde partie ont confirmé plusieurs arguments avancés dans la première partie de ce travail au sujet de son processus de création. La réception historique de Castiglione apporte en effet de nombreux compléments sur notre perception actuelle de son art.
Peintures et dessins 1500-1900 : collection des arts plastiques du Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel
Introduction Publicoll : Publication des œuvres majeures de la collection des arts plastiques du MAHN.
La République de l'oeil - L'expérience de l'art au siècle des Lumières
Publication issue des quatre conférences données au Collège de France en 2004
Paris! Paris! : les artistes suisses à l’ecole des beaux-arts (1793-1863) / sous la direction de Pascal Griener et Paul-André Jaccard ; répertoire des artistes par Laurent Langer
En l'absence d'une véritable Ecole des beaux-arts en Suisse, beaucoup d'artistes helvétiques ont quitté leur pays pour aller se former à Paris. Qui sont-ils ? Qu'y font-ils ? La question n'a fait l'objet d'aucune étude à ce jour. L'exploitation systématique des Archives nationales à Paris a permis de constituer une base de données réunissant toute la documentation relative aux quelque quatre cents artistes suisses formés à Paris. L'ouvrage comprend un important essai sur leurs motivations au départ, les conditions de leur séjour et de leur formation artistique, leur participation aux Salons et leur professionnalisation, enfin l'usage qu'ils font de leur capital artistique à leur retour en Suisse. La partie lexicographique présente le parcours de tous les artistes concernés par cette recherche. Soutenu par le Fonds national suisse, ce projet a été mené conjointement par l'Antenne romande de l'Institut suisse pour l'étude de l'art (Paul-André Jaccard) et l'Université de Neuchâtel (Prof. Pascal Griener). Il a été présenté à trois reprises dans des colloques internationaux, à Rome, à Paris et en Suisse, où son originalité a été largement reconnue.
Le Grand Atelier. Chemins de l'art en Europe, V-XVIIIème siècles
Bien avant de s'affirmer comme une entité politique, l'Europe s'est distinguée par une intense circulation des biens et des personnes. On oublie trop souvent que les routes commerciales et autres voies navigables ont été empruntées très tôt par des artistes, des oeuvres d'art et de riches commanditaires désireux de satisfaire leur appétit du beau. oeuvres connues et moins connues donnent un aperçu de cet " espace européen de l'art et des idées " qui existait déjà à l'aube du Moyen Age. Par le biais d'oeuvres remarquables et souvent spectaculaires, Le grand atelier illustre diverses facettes et de multiples formes de cette interaction artistique. L'ouvrage couvre une longue période de l'histoire de l'art, depuis le Ve siècle - la chute de l'Empire romain d'Occident - jusqu'au XVIIIe siècle - la naissance des premiers grands musées ; évoquant plus de 300 oeuvres provenant d'une bonne centaine de collections européennes. Les textes du catalogue sont de la plume de quelques sommités européennes de l'histoire de l'art.